Известные люди

»

Пабло Пикассо

Многие исследователи стремятся втолковать стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; при всем при том семейство Пикассо была самой что ни есть испанской и более того андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо - это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, потом в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891, и, в конце концов, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. Именно в этом месте начинается его настоящее художественное образование, несмотря на нахождение в течение нескольких месяцев (зимушка 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, хотя вообще-то, ничему в особенности не научился, потому что его мастерство в этой области проявилось ещё раньше ("Мужчина в фуражке", 1895). Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная персона архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была сильно подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво, искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом, и в значительно меньшей степени - импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, воздействие которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо ("Танцовщица", 1901, Барселона, музей Пикассо). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота", заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, больше непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая интеллигентская часть общества была сильно пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, очень переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1905).

Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

В 1900 Пикассо впервой побывал в Париже, где он сдружился с Исидро Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него значительно меньшее воздействие, чем этого хотят некоторые испанские исследователи. Он ещё приезжает в Париж в 1901 и 1902, и совершенно в 1904. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени ("Любительница абсента", 1901, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский нрав. Талантливый юный живописец в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена ("Жизнь", 1903, Кливленд, музей), Каррьера ("Мать и дитя", 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов ("Облокотившийся Арлекин", 1901, частное собрание), а ещё греческого искусства ("Водопой", сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций ("Старый гитарист", 1903, Чикаго, Художественный институт; "Портреты госпожи Каналье", 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений "голубого" периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди ("Гладильщица", 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Скудная трапеза", офорт, 1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре", Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).

Накануне кубизма.

Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный нрав, остается безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, без малого не проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, очевидно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, и все-таки, отразившейся на его первых скульптурных работах ("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик, ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он в первый раз обратился к "примитивизму", чувственному и формальному, тот, что он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над "Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной весьма сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами", 1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Кубизм.

В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всю дорогу может быть определить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимательность превращению форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная мишень кубизма состояла в том. чтобы больше убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести чувство пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы отдать связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет, спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости, расположенные на поверхности и, на начальный воззрение, без малого произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства, собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Собственно кубистический отрезок времени в творчестве Пикассо заканчивается вскоре позже начала Первой важный войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

После войны.

Возращение к предметной живописи. В 1917 Жан Кокто уговаривает Пикассо поехать с ним в Рим для исполнения декораций к балету "Парад" на музыку Эрика Сати для Сергея Дягилева. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для "Треуголки", 1919) воскрешает в нем заинтересованность к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ ("Арлекин", 1913, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). "Пассеистический по замыслу", как говорил Лев Бакст, занавес для "Парада" отмечает возникший ещё в 1915 ("Портрет Воллара", рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, нередко "энгристскому", к монументальности форм, навеянной античным искусством ("Три женщины у источника", 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Это выражается то с оттенком народной грубоватости ("Флейта Пана", 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде ("Две женщины на пляже", 1922, там же). Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, фарт художника в обществе - все это отчасти объясняет тот самый возврат к фигуративности, преходящий и притом относительный, потому что Пикассо продолжает сочинять в то время ослепительно выраженные кубистические натюрморты ("Мандолина и гитара", 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные "помпейским" стилем ("Женщина в белом", 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), несчетные портреты жены ("Портрет Ольги", пастель, 1923, частное собрание) и сына ("Поль в костюме Пьеро", Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, более того при том, что своей немного классической направленностью и пародийностью они немного озадачили авангард того времени. В этих работах в первый раз обнаруживается расположение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам, и в частности Стравинскому, в отрезок времени между двумя войнами: заинтересованность к стилям прошлого, ставшим культурным "архивом", и необыкновенная виртуозность в их переложении на теперешний язык.

Контакты с сюрреализмом.

В 1925 начинается единственный из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х ("Танец", Лондон, гал. Тейт) мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир гал^ люцинаций, что не возбраняется втолковать, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, влиянием несомненным и сознательным, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет фантазерство Пикассо, казалось, могло созидать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих ("Женщина в кресле", 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931, Париж, музей Пикассо). Несмотря на немного больше спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был крайне переменчивый отрезок времени ("Девушка перед зеркалом", 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, вероятно, вследствие того что, что сам Пикассо нехорошо ладил со своей собственной женой, или оттого, что простая краса Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность ("Зеркало", 1932, частное собрание). Она стала кроме того моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 в замке Буажелу, тот, что он приобрел в 1930. В 1930-1934 как раз в скульптуре выражается вся жизненная мощь Пикассо: бюсты и женские ню, в которых другой раз броско воздействие Матисса ("Лежащая женщина", 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма ("Мужчина с букетом", 1934) и в особенности металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - "Конструкция", 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к "Метаморфозам" Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

Минотавр и "Герника".

Тема быков возникает в творчестве Пикассо, надо думать, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в довольно литературные формы: образ Минотавра, тот, что то и занятие возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 ("Минотавромахия"). Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический отрезок времени в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему "Герники", самого знаменитого его произведения, которое он пишет посредством немного недель следом разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо; до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его трепет перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность ("Рыбная ловля ночью на Антибах", 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только только детских портретов ("Майя и ее кукла", 1938, Париж, музей Пикассо). И снова женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них - Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое физиономия которой он деформировал и искажал гримасами ("Плачущая женщина", 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с таковой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные после этого тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы ("Утренняя серенада", 1942, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Немецкая оккупация не могла, ясно, испугать Пикассо, тот, что оставался в Париже с 1940 по 1944. Она ещё совершенно не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры ("Человек с агнцем"), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи ("Натюрморт с бычьим черепом", 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия).

После освобождения.

Картина "Бойня" (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) - последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью

1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями в такой степени, чтобы проявлять их в своих крупных исторических произведениях, чего, наверное, ждали от него его политические товарищи ("Резня в Корее", 1951, Париж, музей Пикассо). Голубь, изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, по-видимому, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. Кроме того, эта служба способствовала тому, что он стал легендарной, всемирно известной личностью.

Послевоенное творчество Пикассо разрешается окрестить счастливым; он сближается с юный Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя отрада солнца, пляжа, моря. Он живет в Валлорисе (1948), далее в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. Произведения, созданные в 1945-1955, крайне среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят родное выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего в дальнейшем музеем Пикассо ("Радость жизни"). Но в особенности сильны в тот самый отрезок времени отказ от декоративного пыла и поиски новых выразительных средств. Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. 200 больших листов, ноябрь

1945 - апрель 1949), плакатах, ксилографиях и линогравюрах, керамике и скульптуре. Осенью 1947 Пикассо начинает действовать на фабрике "Мадура" в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет море блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных ("Кентавр", 1958), иной раз немного архаичных по манере, но неизменно полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот отрезок времени скульптуры ("Беременная женщина", 1950). Некоторые из них ("Коза", 1950; "Обезьяна с малышом", 1952) сделаны из случайных материалов (пузо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, тот, что эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию весьма красивых портретов.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника шибко разнообразны и неровны по качеству ("Мастерская в Каннах", 1956, Париж, музей Пикассо). Можно, при всем при том, выделить испанский источник вдохновения ("Портрет художника, в подражание Эль Греко", 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (вероятно, оттого, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Базель, Художественный музей); "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955); "Менины. По Веласкесу" (1957); "Завтрак на траве. По Мане" (1960). Никто из критиков не смог вручить удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, более того если они находили родное завершение в реально превосходной картине ("Менины", 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо).

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, тот, что в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (гостиница Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками художника, - больше 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а кроме того личная коллекция Пикассо. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и немного провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Так же читайте биографии известных людей:

Пабло Барриентос Pablo Barrientos

Аргентинский полузащитник Москвы Пабло Барриентос в матче с ЦСКА забил гол, принял участие во всех опасных атаках своей команды, а после игры..
читать далее →

Пабло Казальс Pablo Casals

испанский виолончелист, дирижер, композитор, один из самых ярких виолончелистов-виртуозов 20 в.
читать далее →

Пабло Касальс Pablo Vendrel Casals

Особенно прославился современной интерпретацией произведений И. С. Баха. Касальс автор симфонических поэм, камерно-инструментальных сочинений, в том..
читать далее →

Павел Трубецкой Pavel Trubetskoy

Павел Трубецкой - известный русский художник, скульптор. Родился 15 февраля 1866 года.Является внебрачным сыном русского дипломата, князя Петра..
читать далее →

Ваши комментарии

добавить комментарий